the malady of death

This is a fascinating sensual play with desirable objects being displayed to the viewer. The text, reporting in a strikingly peculiar, apparently indifferent fashion about Eros and death, luck and corruptibility has been transformed into congenial images by Helena Waldmann. The distance between the man, who hopes to be able to buy his luck and the woman, offering herself is being transmitted through the body of the actress in an exciting, voyeuristic liaison with the viewer. He cannot with draw: he is being seduced and carried off. „the malady of death“ is a fantasy animating mind and body, a performance the images of which are inscribed into one’s mind.

In the blue gelatin the woman’s body is like a secret. The isolated parts of the body stand out clearly, yet the body as a whole remains obscure. We perceive the mysterious profile of its shapes. It arouses our desire and puzzles us with its preparedness to surrender. Stage lighting and body weight, the consistency of materials and the particularity of movements create an interplay between proximity and distance, between openness and turning away. Intervals, short melody curves, the body’s splashing on the foil, the toneless voice – Helena Waldmann processes them into a discreet insistent performance.

The audience, the viewers of agony. The woman’s body on the canvas, nude contractions on blue and red gelatin, the colors as intensive as that of a prismatic telescope in the refined stage light. A living work of art in constant change. From the view of art history it may be fixed in between Yves Klein and the blood-thirsty Austrian performances of the sixties. The next tries to convey love as loss, death, death within the body, death within emotion. Helena Waldmann’s test arrangement vividly emphasizes this statement. From the meditative mixture of being situated on one’s back, hearing music and the monotonously recited text, the living body evokes the impression of corpses in plastic bags, the shroud of Christ, uncleaned new-born babies. The privilege of the text has long been set aside. The viewer’s attention moves between the changing impression like the woman’s body in gelatin. In Helena Waldmann’s entire work of art the text only indicates the direction.

A mysterious and intense monologue about the impossibility of love. An unconventional realization on the stage which forces the selected audience on white linen covered mattresses. For the Duras-performance Helena Waldmann has conceived of a simple but, nonetheless, logical test arrangement. Body, body shadows surrounded by gelatin on a semi-translucent plastic foil result in a play of forms which seem to get independent. The part, the detail, the wholeness of the figure effaces and becomes unrecognizable. We are lying in an insurmountable distance, all ear and eye. The text, consisting of the three elements body, voice and music soars one and a half meter above the floor. We experience it inside and outside at the same time. It tries to creep inside us, yet remains strange and somehow cut off.

Lay down please! The performance of Helena Waldmann makes use of an unusual perspective. From below the audience is watching a kind of catwalk made of translucent plastic. The plastic foil seems like a milky veil. Behind it we perceive phantom-like arms, legs, breasts and hair, appearing and then disappearing again. Movements become images and images start moving. The more the woman’s body rotates in the gelatin, the more the impression is intensified that we look at an abstract painting, resembling the landscapes of Emil Schuhmacher or Fred Thiele.

Es ist ein faszinierend-sinnliches Spiel mit Begehrlichkeiten, das sich den Blicken offenbart. Den Text, der in einer merkwürdig fremd anmutenden, scheinbar gleichgültigen Weise von Eros und Tod, von Glück und Käuflichkeiten berichtet, hat Helena Walmann in kongeniale Bilder umgesetzt. Die Distanz zwischen dem Mann, der das Gefühl hofft kaufen zu können, und der Frau, die sich preisgibt, vermittelt sich über den Körper der Darstellerin als aufregend-voyeuristische Liaison mit dem Betrachter, der sich ihr nicht entziehen kann. Er wird ver- und entführt. „Die Krankheit Tod“ ist eine Kopf wie Körper anregende Phantasie, eine Performance, deren Bilder sich in die Sinne einschreiben.

In der blauen Gelatine wirkt der Frauenkörper wie ein Geheimnis. So plastisch sich einzelne Glieder auch abzeichnen, als Ganzes bleibt er, undeutlich in seinem stets nur im Profil sichtbaren Umrissen, verschlossen. Was bleibt ist das Begehren, das er auslöst und die irritierende Bereitschaft, mit der er sich hingibt.

Die Zuschauer, die Betrachter der Agonie. Der Frauenkörper auf der Plane, in nackten Zuckungen durch blaue und rote Gelatine, deren Farben im raffiniert angelegten Licht so intensiv sind wie die Farben der Prismen eines Kaleidoskops. Ein lebendes Kunstwerk in dauernder Veränderung, das – kunstgeschichtlich – vielleicht an etwas zwischen Yves Klein und den blutigen österreichischen Performances der 60er Jahre denken lässt. Was der Text der Duras zu transportieren versucht-, zeigt Helena Waldmanns Versuchsanordnung aufs eindringlichste. In der meditativen Stimmung zwischen Rückenlage, Musik und dem monoton vorgetragenen Text erinnert der lebendige Körper an Leichen in Plastiksäcken, das Leichentuch Christi, noch ungewaschene Neugeborene. Das Vorrecht des Textes ist dabei längst aufgehoben: Die Aufmerksamkeit schwimmt allmählich zwischen den verschiedenen Eindrücken wie der Frauenkörper in der Gelatine. Im beeindruckenden Gesamtkunstwerk von Helena Waldmann gibt er oft nur die Richtung vor.

Ein geheimnisvoller und intensiver Monolog über die Unmöglichkeit der Liebe. Eine ungewöhnliche theatralische Umsetzung. Für ihre Duras-Performance hat sich Helena Waldmann eine ebenso einfache wie schlüssige Versuchsanordnung ausgedacht. Körper, Körperschatten und umgebende Gallerte ergeben auf der halbdurchsichtigen Folie ein Formenspiel, das sich selbständig zu machen scheint und in dem der Teil, der Ausschnitt, das Ganze der Figur verwischt und verunklärt. Wir liegen in unüberwindbarer Distanz, schauen – und hören. Der Text, dreigeteilt in Körper, Stimme, Musik, schwebt anderthalb Meter über dem Boden, bleibt drinnen und draußen zugleich, versucht sich in uns einzuschleichen und bleibt doch fremd, abgeschnitten.